下川 智美《pandism》 リトグラフ

下川 智美《pandism》 リトグラフ

　会場内でまず目にとまったのは、下河のシンプルなパンダの絵だった。「pandism」（パンダ主義）という変わったタイトルがつけられ、前・横・後から見たパンダの姿を描いている。とても強いシンプル感を与える作品だ。それはひょうたんのような体型の中に、パンダ特有の目の周りやお腹周りの黒い模様が、白紙にボトボトと墨汁をこぼした感じで描かれているからだろう。白と黒のモノトーン模様のシンプルなコンビネーションがそう感じさせるのだ。
そして彼女のポートフォリオを見ると、彼女はただの可愛いパンダの絵を描こうとしているのではないことがわかってくる。例えば「パンダが１回転する様子」を描いた作品があるが、この作品から「一回転するパンダをあらゆる角度から観察してその本質に迫ろう」という彼女の意図が伝わってくる。もちろん今回の前・横・後姿のパンダもしかりである。
そして以前の展覧会で、彼女が細胞の存在に魅了され「オリジナリティー溢れる細胞」を描いていたことを思い出したとき、パンダが気になる理由がわかった気がした。彼女は細胞という人体を構成する根本的な存在に魅力を感じるのと同様に、パンダにもそんな“生物の根本的な秘密を握るコア的な存在感”を感じているのではないだろうか。
そこで改めてパンダの姿を見てみると、やはり白と黒という色のコンビネーションに謎を解く鍵がある気がする。そこから想起させるのは、“一つの円の中に黒の中に白があり白の中に黒がある様子が描かれた”陰（黒）と陽（白）が相まった様子を表現した「対極図」だ。思えばパンダは対極図の道教の発祥地・中国の動物であり、因縁を感じる。道教のタオイズムと彼女のパンディズムは相通じるものがありそうだ。
またパンダは熊の一種で雑食性なのに笹を食べることも不思議だ。パンダの子孫は草を多く食べることで競争相手のいない中国の山岳地帯に広まった、という。もしかしたら一部の熊が中国の精神性の高いタオイズムの風土に影響され、争いを好まない悟りを開いた存在に進化したということなのかもしれない．．．。こんなパンダの奥深さに気づくとは、下河の洞察眼に感心させられる。

星 亜莉沙《ソンノランス》リトグラフ 星 亜莉沙《エガレ》リトグラフ 小玉 千咲《出番待ち》油彩

　星の作品「ソンノランス」は、水中でユラユラ泳ぐクラゲを描いたものだ。ソンノランスとはフランス語でいねむりの意味。ユラユラといねむりしながら泳いでいるかのようなクラゲをうまく表現している。また開花後、フワフワ・ユラユラと落ちてゆく花火の火花の様子にも似ていて「形の定まっていない偶発的に発生したもの」を描いている印象もある。そんな彼女は昔から透かし模様のレースが好きで、レース模様の絵を描くことが多いという。
ところでレースとは、よく考えると不思議なものだ。それは線を交差させて作っているため、その中心には空白が出来上がる。それをレースの目と呼ぶが、まるで台風の目のようにそこはぽっかりと空いた何もない空間なのだ。空間と線によって出来た、あるようでないような物体がレースなのだ。しかしそんなふんわりとした存在感がレースの魅力なのだろう。
そんなレース好きの彼女のポートフォリオを見てみると、“ウロコの模様の一つ一つまでもがレース模様で編まれている様子”を描いた彼女の作品「エガレ」が気になった。細かいウロコの模様を拡大すると、またその中に細かいレース模様がある．．．。小さいものもさらに小さいものの集合体で出来ているという、究極の最小の世界を表現しているといえよう。
しかし彼女の場合はそれをレース模様にしているのが深い。物体は究極の最小の世界に行き着くとそこには何もない。物体とはレース模様のような微妙な存在で、「本当に確かなものは存在しない」という物質の不確かさを表現しているかのように思える。
またレース模様は開花した花火の姿に似ている。そして開花後の花火の様子に似たソンノランスのクラゲも半透明のゼリー状の、いるのいないののか判然としない生き物だ。彼女は「全ての存在はふんわりと存在している」という真実を表現しようとしているように思える。

立川 美圭《nam》油彩

川合 永恵《UNTITLED》 川合 永恵《UNTITLED》 川合 永恵《痕》油彩

　川合の作品は、シンメトリーの美しい写真作品だ。何がモチーフなのか判別しづらいが、実はこれらは鶏肉の唐揚げや、レタス・ニンジン等の野菜の写真なのだという。それらの対象物の写真を様々な角度から撮り、パソコンに取り込み、それぞれ半透明のレイヤーにして重ね合わせ、反転させたり、彩度・明度を変え色を変化させたりして納得いくまで数値をいじり、加工させて出来上がったものなのだ。
それにしても人の顔に似たものが多く面白く感じてしまうが、それは偶然で、最終的に顔に似せることが彼女の作品の方向性ではないようだ。鑑賞者がそう感じやすいのは、画像の左側にあるものを反転させて右側に持ってきて重ねると、シンメトリー効果が生まれ、人の顔に見慣れた我々にとっては“身近なシンメトリー＝顔”となり、そう認識しやすくなるからだ、と彼女はいう。
それではこの作品は何を表現しようとしているのだろう。そのヒントは過去の絵画作品の中にあった。女性の顔が二重にダブっているセクシーな雰囲気を漂わせている作品「痕」というものがある。彼女はこの顔がダブった様子で“時間の経過”を表現しているという。これこそ彼女の主題なのだ。
そういえば以前の合同展「シカク展」で、前出の立川が“自宅の窓の外の同じ風景を角度を変えたり別の時間帯に撮影したりし、それら何枚もの写真を半透明のレイヤーにして重ねる”作品を作っていたことを思い出した。彼女はこの作品で“それぞれの写真の撮影時の本人の気持ちや時間の積み重ね”を表現していた。
川合も“時間の経過による変化”を表現しているのではないだろうか。画面左側の対象物を右側に反転させて重ねるとは“物体が左から右へ移動した”ことを表しているのだろう。“物体は時間の経過とともに様々な場所へ移動したり戻ってきたり、形や色を変えたりする”そんな物質の変化をその画像を重ねることにより表現しているのではないだろうか。
さらにモチーフが肉や野菜という生ものであることを考えると、“色を加工して変化させる”ことで、時間とともに腐ってゆく過程として表現しているようにも思えてきて、納得できる。
またこの作品は一見すると“万華鏡の中の映像”にも似ている。このことから、万華鏡を覗くという遊びの裏には“時間の経過を目撃している”という深いテーマがあるのかもしれない．．．そんなことにも気づかされる彼女の作品であった。

　今回の合同展では、私好みの“ダークでシュールな世界”を展開している人が少なかったのが残念であった。しかしそれぞれの作品の裏にある作者の意図は、私好みの深〜い意味を持ったものが多く、それぞれについて考えているのが楽しかった。
というわけで、これからは好みの作風や外見に惑わされず、作品を鑑賞していきたい、と思ったのであった。